Искусство - это убойная техника мангаки.
Графическое оформление охватывает и объединяет четыре основных элемента структуры манги: персонажей, место действия, сюжет и тему, и является чрезвычайно важным в манге как средство. Тема и место действия определяются графическим оформлением, а выражение персонажей и сюжета зависит от него. Когда дело доходит до манги, искусство - это Бог.
Манга не создается только словами и не может полагаться на музыку или звуковые эффекты. Это может быть очевидно, но именно искусство делает мангу мангой.
Вашим главным вопросом как мангаки является то, какой вид искусства вы будете рисовать. Искусство - это убойная техника мангаки.
Интересно то, что искусство не обязательно должно быть хорошим. Просто потому, что манга хорошо нарисована, это не означает, что она будет хитом, и наоборот, некоторые манга могут заставить вас задуматься: "Как может что-то, нарисованное настолько плохо, быть так популярным?"
Это явление начало возникать не так давно, до того, как я появился в этой сфере. Ранее любой мангака, как Осаму Тэдзука или Тэцуя Чиба, был умелым художником по любой мерке. Когда я начал видеть хитовые манги с искусством, которое казалось непрофессиональным, это было шоком. Это породило неизбежный вопрос: почему они так популярны, несмотря на то, что нарисованы не очень хорошо? Или, что еще важнее, чем они отличаются от менее популярных манг?
Необходимые элементы популярной манги в области искусства
Когда люди называют искусство "хорошим", я думаю, что они в целом имеют в виду, что рисунки автентичны. Хорошие рисунки включают в себя:
● Согласованный дизайн
● Точное изображение света
● Предоставление ощущения формы и пространства
Или, более конкретно, изображение:
● Красивых цветов
● Привлекательных изображений женщин
И многих других...
Другими словами, это реалистические рисунки, которые создают ощущение реальности. Но в мире манги, реалистичное искусство, созданное с превосходной техникой, часто встречается с полным равнодушием со стороны аудитории.
Так что же отличает плохое искусство в манге, которое продается, от хорошего искусства в манге, которое не продается? Секретом продаваемого искусства является то, что автора можно легко узнать по его рисунку.
Другими словами, популярная манга - это та, которую вы можете узнать с пятнадцати, а может быть, и тридцати футов, и сразу подумать: "О, это манга такого-то человека". Примерно десять лет назад, когда все еще читали мангу в поездах, популярной считалась та, у которой был уникальный элемент в искусстве, который позволял сразу узнать, кто ее нарисовал, даже если вы находились в двух-трех дверях от читателя. С другой стороны, манга с стилем искусства, который сливался с другими, обычно показывала плохие результаты в опросах читателей.
Как только я сделал этот наблюдение, я стал убежден в важности использования художественного стиля, который позволяет идентифицировать автора с первого взгляда. Так же, как и сочинение, стиль искусства каждого человека будет естественным образом отражать его индивидуальность.Но помимо этого, художественный стиль манги должен иметь различительные дизайны и настроение.
Подходы к рисованию можно условно разделить на две группы:
● Реализм
● Сигнификация
Реализм в искусстве стремится к имитации реальности, как бюст из гипса. Рисунок в этом стиле, при умелом исполнении, будет узнаваемо хорошим для любого зрителя.
Сигнификация - это рисование объекта так, чтобы его можно было узнать на первый взгляд. Три круга, сгруппированные вместе, можно узнать как Микки Мауса, а круг с некоторым количеством синего - как Дораэмона. Это создание знака. Работы популярных мангак можно охарактеризовать как эффективную сигнификацию.
В манге, которая всегда стремится к многим целям, необходимо рисовать картинки, в которых существуют оба подхода.
Независимо от того, насколько важной является сигнификация для продаж, необходимо стремиться к реализму, чтобы вдохнуть жизнь в свою работу. Как и Рохан Кишибэ, разрезавший паука ножом, чтобы посмотреть, как он страдает, некоторые аспекты манги требуют реализма. Трудно представить кулинарную мангу без реалистичного, то есть аппетитного, изображения еды.
Реализм и сигнификация противоречат друг другу, как вода и масло, но их можно использовать одновременно. Это, пожалуй, лучше всего проиллюстрировано стилем Акиры Ториямы. Его стиль сразу узнаваем, но его роботы и устройства нарисованы с детальной проработкой до мельчайших деталей и с искусной техникой. Удары его персонажей и другие боевые приемы обладают ощущением скорости, но другие элементы его рисунков символичны до простоты и часто оставляют много белого пространства.
Если вы хотите понять, насколько невероятен Торияма, то нужно обратить внимание на его портреты. Обычно портреты изображаются либо реалистично, либо как карикатуры. Реалистичные рисунки теряют художественные качества автора, а когда сохраняется стиль художника, портрет часто перестает походить на изображенное лицо. В то же время портреты Ториямы схожи со своими объектами, при этом сохраняя уникальный стиль автора, они представляют собой смесь масла и воды. Его мастерство по праву невероятно. Не каждый мангака или художник способен на такой подвиг.
Одновременное использование реализма и знаковости - важный аспект манги, и каждая популярная манга сегодня относится к этому продолжающемуся движению, лучше всего представленному Ториямой.
Как заниматься и тем, и другим одновременно
Как же можно одновременно стремиться к реализму и значимости, если они противоположны друг другу? Просто говоря, важные части должны быть реалистичными, а все остальное - нет.
В спортивной манге сцены спорта могут быть нарисованы подробно, но обед главного героя не требует такого же уровня реализма. Титиллирующая манга может подчеркивать ресницы, губы и бюст женщины, но при этом полностью донести задуманную эротику без реалистичного изображения ноздрей.
Кроме того, если вы стремитесь к реализму во всем, то читатели не будут знать, на что они должны обращать внимание. Я допускал ошибку, слишком увлекаясь рисованием сцены и закидывая страницу ненужными деталями. Когда вы работаете над кульминацией или другой сценой, в которой нужно дать все от себя, нужно быть осторожным, чтобы не перерисовать и не сделать страницу чрезмерно плотной. В моей текущей серии JoJolion я следую определенному ритму, удерживая легкость рисунка, когда нужно смягчить картину, и добавляя много деталей в сцены действий.
Так же, как сделать все реалистичным может быть проблемой, некоторые жанры трудно реализовать только с помощью значимости. Если ваша цель - создать страшную атмосферу, как в ужасах или историях напряжения, то некоторые изображения, нарисованные слишком упрощенно и символично, могут не быть столь живыми или пугающими, как задумывалось, например, если вы хотели передать боль от отрезания пальца.
Научная фантастика и фэнтези - это два других жанра, где требуется реализм для создания окружения. Даже если вы изображаете вымышленный мир, это касается элементов реальности, таких как детализированные механизмы на роботе, которые привлекают читателей в этот мир. Я подробнее расскажу об этом в главе о сеттинге.
Если вы будете всегда рисовать одни и те же вещи, вы устареете
Учитывая, что манга с грубым рисунком, но эффективной символикой все равно может стать хитом, если бы вы спросили у меня, что важнее, символика или реализм, мой ответ был бы символика. Но есть и опасность; иногда манга, символизированная без особой задумки, может преуспеть случайно, и если создатель станет самодовольным и не будет развиваться, публика начнет считать его устаревшим, и уйдет.
В 1970-х годах, когда я начал заниматься мангой как хобби, стандартом было, что мужчины должны быть изображены с густыми бровями, а женщины с тонкими. Но в определенный момент и мужчины стали рисоваться с тонкими бровями, и густые брови стали считаться некрутыми. Если бы я сейчас рисовал своих мужских персонажей с густыми бровями, они бы выглядели устаревшими.
Молодые мангаки могут рисовать мужских персонажей с тонкими бровями по умолчанию, но поскольку я вырос, рисуя густые брови, я внутренне принял этот стиль рисования и должен был приложить много усилий, чтобы исправить себя. Для меня мужские персонажи с тонкими бровями вызывали образ второстепенной роли в манге для девочек, возможно, это был соперник в любви или жестокий, злобный персонаж, и избавление от внутреннего сопротивления к рисованию тонких бровей на мужчинах потребовало значительных усилий. Я, наконец, преодолел это, рисуя Джоске, главного героя четвертой истории "JoJo's Bizarre Adventure", "Diamond Is Unbreakable", но до этого я не мог избежать ощущения угрозы того, что мое искусство устареет.
Долгое время я считал, что толстые брови - это правило, но это было не правило, а всего лишь предположение. Если бы я продолжал рисовать мужские персонажи с толстыми бровями, моя работа выглядела бы устаревшей. Если вы хотите продолжать развиваться вместе со временем, вам нужно активно уничтожать такие предположения. Но для этого вам сначала нужно овладеть основами рисования.
Изучите значение объектов
Хотя в искусстве могут быть модные тенденции, я не думаю, что существуют правила вроде "Вы должны рисовать именно так" или "Определенные виды рисунков всегда будут пользоваться успехом у читателей". Хотя, как я уже писал выше, важно отвечать на требования времени, в конечном итоге художник должен рисовать то, что хочет рисовать. Сказав это, я хочу отметить, что поскольку люди - или, возможно, антропоморфизированные животные или машины - станут важными персонажами в вашей манге, вам будет полезно овладеть основами рисования натюрмортов и портретов. Без изучения основ ваша техника и возможность выражать свои идеи никогда не разовьются. Даже блестящие детские художники не гарантированно смогут рисовать такие замечательные картины, как взрослые. Если вы хотите взрослым человеком умеющим рисовать картинки так, как вы их себе представляете, вы не можете избежать изучения базовых техник.
Искаженные пропорции, конечно, допустимы в художественных работах, но только при условии, что они созданы на основе фундаментальной техники. Сначала вы овладеваете основами, затем можете их ломать. Примеры выдающейся сигнификации, такие как Дораэмон, Драгон Болл или Микки Маус, все стоят на этой прочной основе.
Освой золотое сечение
Основа портретных рисунков лежит в универсально привлекательном золотом сечении. Если вы овладеете этой одной концепцией, вы сможете создавать любого вида человеческие персонажи. Давайте используем лица в качестве примера. Люди видят свои лица каждый день; мы любим свои лица, и наши рисунки естественным образом склонны напоминать нас самих. В этом нет ничего плохого, но если вы хотите создавать рисунки, которые будут приняты большим количеством читателей, вам необходимо пройти за этот внутренний смысл красоты и научиться стандарту красоты - золотому сечению.
Персонаж, нарисованный без основы золотого сечения, будет казаться по своей сути странным. Неподготовленный художник может случайно добиться успеха в создании одного персонажа, но любые последующие персонажи будут неразличимыми. Или, в другой распространенной ловушке, художник может быть хорош в рисовании лица с левой стороны, но не с правой. Любая попытка замаскировать это, рисуя персонажей только в определенном направлении, будет быстро раскрыта читателями, которые начнут задаваться вопросом, нарисованы ли персонажи, или просто оттиснуты снова и снова. Читатели беспощадно отличают уровень мастерства художника.
Я позволю моему наброску слева кратко объяснить основные правила рисования лиц. Где на лице располагаются глаза, нос, рот и линия роста волос? Это для каждого лица одинаково. Даже если вы измените пропорции отдельных элементов, каждый из них всегда будет находиться в одном и том же относительном месте. Изучите это. Как только вы освоите это, вы сможете рисовать головы сверху, снизу и сбоку, чтобы создавать трехмерность, а также увеличивать глаза или выполнять другие деформации, чтобы создавать второстепенных персонажей с отличным от обычного чувством.
Научитесь рисовать робота с подвижными суставами
После того, как вы овладеете золотым сечением в отношении лиц, следующим шагом будет изучение человеческого тела. Работайте над набросками тела в следующем порядке:
● Анатомические и скелетные рисунки
● Обнаженные фигуры (как мышцы соединяются с костями)
● Одетые фигуры
Уделяйте внимание двум важным моментам:
● Центральная линия (линия, идущая вдоль середины тела)
●Расположение локтей и талии
Если вы овладеете этими двумя элементами, вы сможете рисовать естественные фигуры, которые можно вращать и поворачивать, и таким образом создавать позы в стиле "ДжоДжо". Также обратите внимание, что суставы имеют угловатую форму и, когда рассматриваются сверху, создают спиралевидную форму. В случае одетых персонажей, гравитация создаст складки на одежде рядом с суставами в соответствии с установленными правилами, и вам не следует рисовать их произвольно.
После освоения этих концепций вы сможете рисовать персонажей с жизнью и широким диапазоном движений. Основные методы изучения включают наблюдение за рисунками опытных мангак и изучение справочных книг по анатомии для художников
Стремитесь к большему, чем просто мимикрии
По мере развития своей карьеры мангаки сталкиваются с тенденцией к застою в своем эстетическом вкусе, что приводит к устареванию их рисунков. Чтобы избежать этого, иногда полезно переосмыслить свое эстетическое восприятие и скорректировать свой вкус.
Мое единственное предупреждение - и это то, что произошло со мной, - если вы начинаете с копирования работ мангаки, которые вас вдохновляют, и хотите стать профессионалом, вы не должны останавливаться на этом. Если вы подражаете стилю, не думайте просто "Этот художник делает хорошие рисунки". Вместо этого попробуйте углубить свое понимание, приняв более аналитический подход. Например, "скелетная структура правильная", "какие части дизайна персонажа являются эффективной сигнификацией и почему", "какую цель пытался достичь мангака, рисуя в таком стиле?". Повторяя этот процесс, вы начнете видеть в своих рисунках то, что вам нравится и что вы хотите передать через них. Если вы сможете сделать такой прорыв, вы сможете найти свой собственный стиль и создать собственный мир, который не будет простым подражанием.
Как нарисовать оружие
Хотя это связано с темой настройки, я хочу подчеркнуть этот момент: чтобы понять основы, вы должны понимать не только структуру и работу человеческого тела, но и механизмы и инструменты. Например, если вы рисуете мотоцикл или велосипед, и вы не понимаете, как колеса крепятся или где расположены рулевые колонки, результат будет непригодным для езды, и ваша настройка станет непоследовательной. Если вы базируете дизайн робота на реалистичном механическом движении, вы можете учитывать его суставы и другие движущиеся части, чтобы создать намного более живого робота, чем те, которые были в прошлом с их чрезмерно простыми, округлыми суставами.
Иногда меня просят оценить работы начинающих мангака, и когда я читаю мангу, которая содержит нечто вроде стрелка, у которого оружие кажется бессмысленным, это достаточно, чтобы я не хотел продолжать чтение. Когда речь идет об огнестрельном оружии, даже если вы не рисуете внутренние механизмы, вам нужно понимать, как они работают, чтобы правильно разместить курок и захват стрелка. Если вы не понимаете, что магазин подает патроны в камеру, которая выравнивается с дульцем, вы получите фальшивые пропорции, так что когда курок нажимается, ни один патрон не вылетит реалистично.
У меня есть модель оружия в моем офисе, но просто смотреть на внешний вид недостаточно для понимания внутреннего устройства. Если вы можете организовать это, я предлагаю разобрать одно на самом деле, чтобы увидеть, как оно устроено. Я сделал иллюстрацию, чтобы вы могли увидеть, как молоток бьет по задней части патронов, чтобы выстрелить пули, и где расположены курок и палец на курке.
Эта идея выходит за рамки огнестрельного оружия; любая тема, которую вы рисуете, имеет своих энтузиастов. Если вы нарисуете что-то неправильно, вас найдут и об этом узнают. Более того, даже читатели, которые не являются фанатиками, все равно поймут, что что-то не так с вашим рисунком.
Как нарисовать огонь, воду, воздух, свет и камень
Огонь, вода, воздух и свет, все они движутся, и объяснить, как их нарисовать, сложно словами. Но правильное изображение этих элементов поможет связать вашу мангу с реальностью, и они будут присутствовать в каждой манге. Я бы хотел, чтобы каждый, кто хочет стать мангакой, изучал эти предметы; фотография может быть хорошим ресурсом.
Огонь = рисование ветра
Если что-то взрывается, и вы хотите показать пламя взрыва, вы можете сделать это, изображая движение окружающего ветра. Горящие предметы изображаются в силуэте.
Вода = рисование гравитации
Когда объект падает в воду, как вода брызгает? Когда чашка разбивается, как жидкость внутри ее выливается?
Воздух = рисование линий движения к точке зрения
Показывая расстояние, вы можете передать воздух.
Свет = рисование теней
Камень не является динамичным, как другие элементы, но нарисовать камень, скалы и землю тоже важно:
Камень = рисование теней
Не показывайте только края, покажите и углубления.
При изображении скал важно создавать ощущение веса. Также имейте в виду, что скалы в африканской пустыне будут выглядеть иначе, чем в Америке. Исследуйте, чтобы быть способным передавать различия в своих рисунках. Руководство по камням и минералам может быть полезным там.
Я постоянно борюсь с попытками описать своим помощникам, как рисовать огонь, воду, воздух, свет и камни. В конечном итоге, я не думаю, что есть другой путь к улучшению, кроме как пробовать, терпеть неудачи и изучать. Но вы должны делать все необходимое для своей манги, потому что эти предметы имеют большое значение для рисования манги.
Бумага важнее ручки
Когда вы начинаете рисовать серьезно, вам может показаться важным выбрать правильные инструменты для рисования, будь то перьевая ручка, кисть и чернила, компьютерное программное обеспечение и т.д. Мой ответ на этот вопрос таков: используйте то, что вам удобно работать и что позволит создавать те рисунки, которые вы задумали. Я раньше слышал советы типа "нужно использовать перо G-модели" или "картографические перья хороши", но поскольку одинаковые инструменты могут давать различные изображения в руках разных художников, выбор инструментов в конечном итоге зависит от личных предпочтений.
Что касается меня, я раньше использовал в основном перьевые ручки G-модели, но теперь я использую их только тогда, когда мне нужны жесткие линии, например, для очертания глаз и лиц, и в остальное время я использую водостойкие фломастеры или кисти. Поскольку перьевые ручки содержат металл, они гораздо тяжелее маркеров и кистей. Если вы рисуете тяжелой ручкой десять часов в день в течение недели, у вас могут возникнуть повторяющиеся травмы. Кисти - это наименее утомительный инструмент для рисования, но на их мягкие, гибкие кончики нужно привыкнуть.
Фломастеры разных видов представлены в большом ассортименте, и вам нужно тщательно изучить их сопротивляемость воде и стиранию, но, на мой взгляд, выбор бумаги требует наибольшего внимания. Дешевая бумага не выдержит длительной работы; это не тот случай, когда нужно экономить.
Это не значит, что существует определенный уровень цен, разделяющий подходящую бумагу от остальной. Вместо этого вам нужно выбрать бумагу качества, соответствующую вашим целям. Очевидно, что вы хотите, чтобы бумага не утомляла глаза при просмотре, но другие характеристики - поглощение чернил, оттенок, шероховатость и т. д. - лучше оставить на ваше личное усмотрение.
Когда вам говорят, что вы плохой художник
Когда вы начинаете рисовать регулярно, рано или поздно вы столкнетесь с моментом, когда подумаете: «В последнее время у меня ничего не получается». Это может вызвать у вас беспокойство, но если вы продолжаете рисовать, то сможете преодолеть это состояние. Факт того, что вы беспокоитесь, свидетельствует о том, что вы стараетесь.
После моего профессионального дебюта, когда у меня еще не было большого успеха, мои редакторы давали мне различные советы. Я не принимал их слова на веру, а искал основную проблему: мои рисунки были недостаточно хорошими. В то время как мои коллеги, такие как Yudetamago, дебютировали с узнаваемым стилем, я все еще боролся с тем, как мне нужно рисовать.
Мое художественное мастерство, когда я рисовал "Poker Under Arms", было на уровне ребенка. Даже судьи премии Тэдзука говорили о моих рисунках: «Забавно, но плохо нарисовано». Они были правы; я был самоучкой и знал далеко не все. Когда я хотел нарисовать черное пространство с белыми линиями, которые просвечивают, я чередовал черную и белую краски, каждую краску по очереди, по всему пространству, и мой редактор говорил: «Смотри, твои линии торчат за края. Даже ребенок мог бы нарисовать лучше. Исправь это». Таков был уровень моих знаний, что я еще не знал, что основная техника заключается в заполнении сплошной области черным цветом, а затем рисовании белым краской.
Я нашел свой стиль в Италии
Я хотел научиться рисовать, работая помощником мангаки, но жил в Сендай и был слишком далеко от Токио, чтобы добираться туда. После своего дебюта самообразование оставалось для меня единственной опцией, и я продолжал усердно изучать основы рисования через скетчинг и другие методы. Прошло много лет, прежде чем мои усилия принесли плоды. Я изучал и имитировал рисунки моих любимых мангак, таких как Санпей Ширато и Мицутэру Ёкояма, делая много попыток методом проб и ошибок, чтобы найти свой ответ, но ничто не сработало. Но я продолжал учиться основам рисования и практиковаться.
Я хотел рисовать настоящий саспенс, сцены, где иголка, входящая в палец, кажется больной, и для этого мне нужно было стремиться к реализму: как рисовать ногти, как связаны мышцы, как дать пальцам объем и так далее, сохраняя смысл.
Мой прорыв произошел незадолго до того, как JoJo впервые вышел в сериализацию, когда я отправился в путешествие в Италию.
Если бы вы должны были обобщить то, что делает мое искусство отличительным в одном слове, это, вероятно, было бы позирование фигур, и это то, что я приобрел на этом путешествии. И поскольку нельзя нарисовать персонажа в позе, исходя только из лица, я всегда рисую эскизы для фанатов в виде бюстовых иллюстраций с плечами, указывающими на характерную позу.
Хотя у меня было желание посетить подлинный западный художественный музей, это не была причина моей поездки. Я случайно оказался в Галерее Боргезе в Риме, где увидел знаменитую скульптуру Бернини "Аполлон и Дафна" и подумал: "Хотел бы я нарисовать это в манге!"
Я видел изображения этой работы, но скульптуры нужно видеть в живую, чтобы по-настоящему понять. Когда я наконец увидел ее своими глазами, с разных сторон и под разными углами, красота и интенсивность этого произведения просто ошеломили меня. Если вы не знакомы с этой работой, то она изображает миф о нимфе Дафне, которая превращается в дерево, чтобы убежать от объятий Аполлона. Мне казалось, что я могу смотреть на эту скульптуру бесконечно, восхищаясь чудесами произведения и тем, как Дафна крутится и поднимается, претерпевая свое превращение, насколько изысканы мраморные листья, как скульпторы смогли создать такое чудо из одного куска камня. Такие крутые позы редко встречаются в японских музеях, и я видел немного таких художественных выражений в работах предыдущих мангак. В таких позах есть что-то сенсуальное, что приятно удивляет. Поскольку я уже имел техническую основу, мне нужно было только добавить в свои работы свой опыт в Италии и таким образом создавать изображения, отражающие мой собственный взгляд на искусство. С тех пор, как я наконец нашел свой художественный стиль, я значительно реже стал испытывать душевную боль от редакционной критики.
Что запоминается в позе персонажа
Позы привлекательны, потому что они остаются в памяти людей. Взгляните только на Майкла Джексона - его позы навсегда запомнились. Так как позы персонажей могут много рассказать о них, вплоть до того, какие эмоции они испытывают, они являются очень важным элементом рисунка.
Я часто использую скульптуры в качестве образца, но настоящие шедевры - это те, которые я могу увидеть в музее, а затем вернуться домой и все еще ярко вспоминать их позы. Ища причины, по которым скульптура оставляет такое сильное впечатление - возможно, ее энергичность, романтичность, вес, намек на кожу - я могу начать видеть, какие аспекты мне нужно включить в свои рисунки.
При позировании своих персонажей необходимо учитывать правильную структуру скелета и движения человеческого тела. Вместо того чтобы случайно манипулировать конечностями персонажа, вы должны понимать, как соединяются и двигаются части тела - как движутся ноги человека, когда его бедра выступают вперед, где находятся его колени, как двигаются его плечи. Если вы нарисуете персонажа, просто стоящего, но его локти и талия не выровнены, то эта поза вряд ли оставит впечатление. В JoJo я расширяю границы человеческого тела с помощью поз моих персонажей. Усиливая значение поз до предела, можно добиться формы, свободной от всех лишних элементов, как у знаменитой скульптуры Майрона "Дискобол", с его необычной, завораживающей, слегка наклоненной и угловатой позой олимпийского атлета, готовящегося бросить диск.
Каждый раз, когда я рассматриваю то, что считается великими скульптурами, меня поражает впечатление, что древнегреческие и римские скульпторы выбирали и высекали эти позы так, как будто от этого зависела их жизнь.
Сделать невидимое видимым
Я бы хотел уделить время, чтобы сознательно говорить о том, что такое визуальное искусство. Я считаю, что фундаментальная роль искусства заключается в том, чтобы сделать невидимое видимым. Что бы хотел выразить художник - любовь, дружбу, справедливость или что-то другое - это не то, что можно увидеть глазом, и художник должен превратить эти невидимые идеи в видимую картину. Музыка тоже невидима, но музыкальная нотация делает ее видимой, и я слышал, что ноты, которые красивы для глаза, создают приятную музыку. Я нахожу эту связь между видимым и невидимым глубоко увлекательной. Символика также по определению является способом изображения невидимого. Персонажи, такие как Дораэмон, Микки Маус и Анпанмэн, передают дружелюбие и доброту через свои образы. И когда множество рисунков собираются в мангу, манга в целом может передать то, что нельзя увидеть.
"Дому: Детская мечта" Кацухиро Отомо предоставляет незабываемый пример. "Дому" - это манга, в которой задействованы экстрасенсорные способности, и в одной из сцен более старший сотрудник сидит на скамейке в парке, слушая радио, а затем следующая панель на поверхности показывает взрывающееся радио. Я мог четко почувствовать невидимую энергию этой мощной разрушительной силы. Я все еще помню, как впечатлен я был тем, что манга могла изобразить такую вещь. Это было удивительно.
Невероятное, что сделал Кацухиро Отомо, заключалось в том, что он точно нарисовал каждую маленькую деталь разлетающегося взрывом радиоприёмника, вместо того, чтобы преувеличить детали и нарисовать что-то фальшивое и легкое. Обычным методом в то время было увеличение драматичности, нарисовав разлетающиеся куски как грубые, шероховатые формы или что-то в этом духе. Такие рисунки могут показаться более драматическими, но они лишены реализма. Именно этому научили меня реалистичные и убедительные рисунки Кацухиро Отомо.
Хамон и Стенды делают сверхъестественные способности видимыми
Эти впечатления побудили меня задуматься над вопросом, как можно создавать рисунки, которые позволят сделать невидимое видимым. Мой ответ - это был Хамон (рябь). Если персонаж ударил лягушку, и лягушка осталась не пострадавшей, но камень под ней треснул, это изображение передаст силу сверхъестественных способностей персонажа. Я ощутил эйфорию от успеха, когда придумал эту идею, но вскоре мой редактор сказал мне, что ему надоел Хамон.
Я пришел к выводу, что ему скорее всего надоел эффект, потому что это был только один тип вещей. Я пришел к выводу, что более широкий ассортимент способностей не будет иметь этого недостатка, и вот так появились Стенды. Стенды - это воплощение внутренней энергии пользователя; если Хамон делал сверхъестественные способности видимыми, то Стенды шли еще дальше и превращали их в персонажей.
Я использовал Стенды, чтобы сделать многое видимым: быстрое передвижение, дальние перемещения, перемещение медленно, наложение проклятий, остановка времени, перемещение во времени, чтение мыслей, видение будущего, становление электричеством, становление магнитом, игнорирование гравитации, быстрое или медленное старение, взятие душ, исцеление/восстановление и многое другое. Есть еще много странных явлений, которые я еще не сделал видимыми, и я собираюсь продолжать вызывать себя на поиски способов, чтобы изобразить их.
Не пытайся обмануть читателей
Когда художник придает форму невидимому, его эмоциональное состояние отразится в картинке, даже если он этого не осознает. Рисунок одной кофейной чашки не будет чисто объективным воссозданием реального предмета, а будет отражать характер самого художника. Даже фотографии, сделанные на мобильный телефон, раскрывают личность фотографа. Люди обладают способностью выражать и распознавать эти невещественные качества.
Несмотря на то, что манга проходит процесс печати и массового производства, она не исключение, и поскольку эмоциональное состояние художника всегда будет отражаться в его работе, эти эмоции критически важны. Любые попытки подделать искренность будут напрасны. Читатели всегда будут видеть правду.
Некоторые художники быстро рисуют и думают, что они лучшие, но я не считаю, что это правильно. Речь не о том, хороши ли их рисунки или нет; плохое впечатление остается от отношения художника, который старается выглядеть усердным, когда на самом деле это не так. Такое можно заметить и в каллиграфии кандзи, где есть разница между тем, что выглядит умелым, и тем, что написано с умением. Только такие художники считают себя умелыми, тогда как очевидно, что это не так.
Но независимо от того, что может думать художник, манга не должна быть нарисована спешно или безраздельно. Даже когда остается мало времени до срока сдачи, художник должен рисовать тщательно. Это главное правило. Даже если мой рисунок может показаться грубым на первый взгляд, если вы посмотрите на оригинал, то увидите, что я подходил к нему с заботой. Пока я профессионал, я никогда не буду бросать свои рисунки, и пытаться сделать это и скрыть это было бы непростительно.
Сохранить мгновение на вечность
Еще одна важная мысль, которую я держу в голове, когда рисую, это желание, чтобы моё искусство запоминалось читателем. Каждый раз, когда я рисую, я стараюсь создать изображение, которое оставит глубокое и долговременное впечатление на зрителе, чтобы они могли увидеть его снова спустя годы и подумать: «Ах, я помню эту картинку!»
Возможно, именно поэтому я люблю неподвижные изображения. Многие мангаки говорят, что хотели бы видеть свои рисунки в движении, но это меня мало интересует. Для меня важно, чтобы каждый рисунок был завершенным.
Композиция, цветовая гамма, выражения персонажей, линии, все элементы, объединяющиеся, чтобы создать картину, могут произвести на зрителя впечатление, которого не могут достичь движущиеся изображения. Замечательно в неподвижных рисунках то, что они могут создавать то, что я называю вечными моментами - тем, что в противном случае было бы мимолетным моментом, зафиксированным в крошечных частицах пигмента. Все - жизнь человека, его взгляд на мир и за его пределами - может быть сжато в один рисунок. Это невероятно.
Как Леонардо да Винчи рисовал Мону Лизу в течение десятилетий, я чувствую, что рисунок может быть нарисован вечно, по крайней мере, пока художнику не придется остановиться. То, что Мона Лиза никогда не была завершена, делает её улыбку загадочной, но как бы много раз ты не смотрел на эту улыбку, она никогда не становится скучной. Процесс создания рисунка заключается в том, чтобы позволить ему расти и созревать, и в этом заключается привлекательность картинки. Когда я работаю над рисунком, иногда мне хотелось бы, чтобы у меня не было срока, чтобы я мог продолжать работать над ним бесконечно.
Картины, такие как Мона Лиза и другие великие произведения Ренессанса, могут быть рассмотрены на протяжении часов, но я также думаю, что это относится и к некоторым манга-артах. Через работу по рисованию художники могут интегрировать множество разных миров в изображения, которые читатели могут читать и перечитывать, иногда останавливаясь, чтобы смотреть на свои любимые сцены. Я считаю, что такая форма наслаждения ближе к живописи, скульптуре и керамическому искусству, чем к плавным изображениям аниме или фильмов.
Почему я продолжаю рисовать в аналоговом формате
В наши дни многие художники рисуют на компьютере, и я оцениваю, что около 90 процентов раскраски делается именно так. С технической точки зрения цифровое рисование продвинулось настолько, что уже не уступает аналоговому, и оно даже имеет преимущество в том, что не требует такого же количества обучения. Цифровая раскраска может быть выполнена на рисунке, выполненном на бумаге и чернилами, с помощью сканера, но делая всю работу целиком на компьютере, вы получаете достаточно много преимуществ, включая более простую раскраску и возможность отправлять данные непосредственно редакторам. Из-за этого для некоторых художников естественно выбирать полностью цифровой подход.
Причина, по которой я до сих пор делаю все на бумаге, заключается в том, что аналог всегда можно превратить в цифровой формат, но цифровое не может вернуться в аналоговый, и я считаю, что если так, то аналоговый является более превосходным. Выставка 25-летия JoJo была возможна благодаря тому, что я работал на бумаге.
Когда я заканчиваю одну из своих манг, я хочу испытать такие же эмоции, как от просмотра картин в музее. Другими словами, когда я вижу настоящую картину, я чувствую что-то тревожащее в своей груди. Для меня присутствие этой эмоциональной реакции важно. Когда я был ребенком, книжный магазин в моем родном городе Сендай продавал "The Legend of Kamui" с автографом от его создателя Санпэя Ширато. Я не думаю, что просто увидев это, я бы испытал такой же подъем настроения. Для меня изображение, напечатанное на экране компьютера, является всего лишь копией, и чувство, которое я бы получил, закончив его, не было бы таким же эмоционально насыщенным, как от настоящего оригинала.
Я хочу сохранить ощущение живого выступления
Это может быть немного сложно выразить словами, но когда я рисую с использованием физических материалов, я чувствую, что ласкаю рисунок, и начинаю испытывать привязанность к своим персонажам. Это даже относится к персонажам, которых я не люблю, когда только создаю их.
Иногда я даже плачу, когда они умирают. Поскольку я не работаю с цифровыми технологиями, я не могу точно знать, но рисование непосредственно своими руками ведет меня к таким неожиданным переживаниям.
Когда дело доходит до раскрашивания, цифровой художник может попробовать цвет, решить, что он не работает, и сразу же попробовать другой цвет. Но когда вы делаете это вручную, и вдруг думаете, что "Синий был бы лучше, чем красный", то вам придется перерисовать весь рисунок заново, что делает корректировку не слишком эффективной. Когда вы рисуете вручную, вы ощущаете напряжение, которое связано с отсутствием возможности отката, и ощущаете ощущение живого выступления, вкладывая все в данный момент.
Поскольку я хочу сохранить это ощущение "живого" момента, я не перерисовываю никакой рисунок, который я уже нарисовал, за исключением чрезвычайных обстоятельств. В музыке живой джаз создается в напряжении не зная, что произойдет в выступлении, и я считаю, что та же идея может применяться и к визуальному искусству.
Посещения Бога-манги
Иногда, возможно, под влиянием моего физического состояния в тот день или каких-то химических изменений, не поддающихся моему пониманию, мои рисунки получаются лучше, чем я ожидал, и я думаю: "Эта линия действительно великолепна!" или "Я точно попал в изгиб щеки! Он идеальный!" Когда эти рисунки приходят, как неожиданный подарок, когда мое искусство превосходит меня, я думаю, что, возможно, Бог манги спустился, чтобы навестить меня.
То чувство, которое я получаю, превосходя свои возможности, может быть тем, что делает рисование таким приятным. Когда я рисую грубые позы, иногда мне нужно нарисовать их только один раз, чтобы найти нужную линию, но другой раз я пробую много разных изгибов, прежде чем внезапно найти правильный, и этот момент эйфории заставляет меня хотеть поблагодарить какую-то высшую силу. Когда я раскрашиваю, цвета могут отклоняться от моих оригинальных планов; я могу вообразить что-то голубым, но когда я попробую добавить немного серого, я думаю: "Мне нравится этот более темный цвет!" Такие случайности могут быть вне объяснений рациональным способом.
Я восхищаюсь итальянской техникой фресковой живописи. В этой технике влажная штукатурка пигментируется, и когда штукатурка высыхает, ее уже нельзя переделать, и изображение фиксируется в полупостоянной форме. Я думаю, что то, что делает эти работы настолько впечатляющими для зрителя, это то, что они были созданы не только требующими мастерства и техники, но и с той напряженностью живого выступления, которая возникает от давления знания, что ошибка приведет к неудаче. То же самое с мангой: когда у тебя бывают такие моменты, когда ты думаешь "Сегодня я сделал замечательные рисунки!", твои читатели, несомненно, будут реагировать положительно. Конечно, ты должен признать преимущества цифровых технологий, но если для тебя важны эти элементы, то тебе лучше работать в аналоговом формате.